À 90 ans passés, Esther Mahlangu continue de peindre comme on respire. De l’Afrique du Sud à Antananarivo, la grande prêtresse du dessin ndebele vient de signer l’ornement monumental de l’Arche Malaga, au Marais Masay. Héritière d’un savoir ancestral et figure majeure de l’art pictural panafricain, l’artiste transforme depuis près de huit décennies la tradition en langage universel. Rencontre exclusive avec une icône vivante, pour qui la couleur est mémoire, et la géométrie, une manière d’habiter le monde.
Comment êtes-vous devenue une artiste de renommée internationale ?
J’ai appris l’art du dessin ndebele auprès de ma mère et de ma grand-mère lorsque j’étais petite fille, comme le veut la tradition chez les Ndebele. À l’origine, ces motifs servaient à décorer les maisons, et j’ai passé plus de quatre décennies à peindre des fresques murales. Un tournant majeur a été mon invitation, en 1989, à l’exposition Les Magiciens de la Terre au Centre Pompidou, à Paris.
C’était ma première apparition internationale. En 1991, j’ai ensuite été la première femme et la première Africaine invitée à la BMW Art Car Collection. Ces expériences m’ont montré que le dessin ndebele pouvait dialoguer avec des supports contemporains et toucher un public mondial.
Vous êtes très fidèle aux traditions ancestrales dans votre travail pictural.
Je suis profondément attachée à mon héritage ndebele et fidèle aux principes du dessin et des formes traditionnelles. Cependant, j’ai toujours été ouverte à l’expérimentation de nouveaux supports et à l’exploration de nouvelles palettes de couleurs, rendues possibles par l’évolution des technologies de peinture. Mon travail ne cherche pas tant à transmettre une signification précise qu’à susciter un sentiment d’équilibre, de paix et d’harmonie. La géométrie sacrée et le dialogue des couleurs y jouent un rôle central. Lorsque je peins, je rends hommage à mes ancêtres. L’art fait partie de moi ; il m’a permis de créer des liens avec des personnes du monde entier.
Comment percevez-vous l’art pictural africain aujourd’hui ?
Je dois dire que je ne connais pas très bien l’art africain contemporain dans son ensemble, car je me suis surtout concentrée sur mon propre travail et sur celui de la nation ndebele. Depuis mon expérience internationale à Paris en 1989, j’ai été invitée à exposer dans de nombreuses villes à travers le monde, et j’ai toujours été bien accueillie. L’intérêt pour mon art n’a cessé de croître et atteint probablement aujourd’hui son niveau le plus élevé depuis le début de ma carrière, il y a près de 80 ans. Je souhaite que l’art, la culture et le patrimoine ndebele perdurent, même si les jeunes sont de plus en plus attirés par la vie urbaine.
Parlez-nous de l’Arche Malaga, votre œuvre monumentale à Antananarivo.
J’ai été contactée par le Fonds Yavarhoussen, dont je connais la solide réputation dans le domaine de l’art contemporain et de la valorisation du patrimoine culturel. C’est ce qui m’a donné envie de créer cette œuvre pour son président et pour Filatex. Le fait que cette fresque se situe dans un pays qui fait face à l’Afrique du Sud et, plus largement, au continent africain, a rendu le projet encore plus stimulant pour moi. Que je travaille seule, que je collabore avec d’autres artistes ou que je crée dans d’autres territoires, je reste toujours concentrée sur le rayonnement du dessin ndebele.
Dans un monde globalisé, peut-on encore parler d’« art africain » ?
Il m’est difficile de dissocier mon art de l’Afrique, car il est profondément enraciné dans la culture ndebele. En même temps, j’ai pu constater combien il est capable de créer des ponts entre le monde traditionnel et le monde contemporain, et de toucher des publics très différents.
Je ne peux parler que de mon propre travail et de celui de ma communauté, qui reste unique. Le fait que de nombreuses marques internationales, célébrités et institutions manifestent un intérêt pour mes œuvres montre que cet art, bien qu’ancré localement, possède une portée universelle.
Propos recueillis par Solofo Ranaivo
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Les lieux restent presque immuables. On y retrouve les mêmes pièces, des fois un peu usagées, des fois rafraîchies à la hâte. Les mêmes scènes, les mêmes rues, les mêmes places, les mêmes studios improvisés, les mêmes cafés où l’on refait le monde jusqu’à la dernière goutte de café noir. Le décor est planté. Et chaque année, on y rajoute des histoires. Une nouvelle année sans bruit. C’est le cas de 2026. Elle ne prétend pas bouleverser l’ordre établi. Elle n’a pas pour ambition de repeindre en entier le décor. Elle applique juste une nouvelle couche sur une fresque déjà bien fournie. Une couche de plus, ni la première ni la dernière. Et c’est très bien ainsi. La culture, après tout, ce n’est pas un feu d’artifice annuel. C’est une accumulation. Un empilement de récits, de gestes, de tentatives fragiles ou lumineuses.On imagine souvent cela : le même théâtre, la même cour d’école transformée en espace de spectacle, la même salle municipale qui sent le bois et la poussière. Et pourtant, chaque année, on y a perçu autre chose. Une oreille différente. Une nouvelle boule de rage. Un espoir plus petit, plus discret. Le lieu n’a pas changé mais l’histoire oui. Et tout dépend de cela. Alors, 2026 ne sera pas une page blanche. Elle inscrira une ligne de plus. Elle aura ses marges griffonnées, ses ratures, ses fulgurances. Certains artistes iront jouer aux mêmes endroits, mais avec d’autres choses à dire. Car on raconte jamais deux fois la même histoire, même quand on croit se répéter. Et puis, c’est plutôt rassurant. De savoir que les lieux tiennent bon. Qu’ils attendent. Qu’ils encaissent le passage du temps alors que nous, on continue à raconter, à chanter, à jouer, parfois même à douter. Le décor est encore là. Les histoires changent. Lentement mais surement, c’est comme cela que se construit le grand récit culturel malgache.
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